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As pessoas provavelmente começaram a se divertir contando histórias em torno de um incêndio nos tempos pré-históricos, e a narração de histórias tem sido uma parte importante da maioria das formas de entretenimento desde então. Histórias ainda são ditas nesta forma original, por exemplo, enquanto acampa ou quando escuta as histórias de outra cultura como turista. O entretenimento é fornecido para público em massa em estruturas de propósito, como um teatro, um auditório ou um estádio. Um dos locais mais famosos é o Coliseu onde espetáculos, competições, corridas e esportes foram apresentados como entretenimento público.

Mudanças relativamente menores na forma e no local de um entretenimento continuam indo e vindo, pois são afetadas pelo período, moda, cultura, tecnologia e economia. Por exemplo, uma história contada em forma dramática pode ser apresentada em um teatro ao ar livre, um auditório, uma sala de cinema, um multiplex ou através de um dispositivo eletrônico pessoal, como um tablet. Algumas formas tornam-se controversas e, eventualmente, são proibidas. A caça de animais selvagens ainda é considerada por alguns como entretenimento, mas, como com outras formas de entretenimento animal (veja abaixo), tornou-se mais controverso. A caça de animais selvagens, como forma de entretenimento público e espetáculo, foi introduzida no Império Romano de Carthage. [13] Algumas formas de entretenimento, especialmente a música e o drama, evoluíram para diversas variações de forma para se adequar a uma ampla gama de preferências pessoais e expressão cultural. Muitas formas são combinadas ou suportadas por outros formulários. Por exemplo, o drama e as histórias usam música como aprimoramento. O esporte e os jogos são incorporados em outras formas para aumentar o apelo.

Evolui de atividades sérias ou necessárias (como correr e saltar) em competição e depois em entretenimento. Os combates de gladiadores, também conhecidos como "jogos de gladiadores", populares durante a época romana, fornecem um bom exemplo de uma atividade que é uma combinação de esporte, punição e entretenimento. Tais exemplos de entretenimento violento apoiaram argumentos de que o entretenimento contemporâneo é menos brutal do que no passado, apesar da onipresença da violência na tecnologia mais sofisticada usada pela mídia moderna como meio de entretenimento. [14] Muitas dessas habilidades, uma vez necessárias, como, por exemplo, o abóbada de pólo, precisam de equipamentos, como objetos antigos que se tornaram cada vez mais sofisticados. Outras atividades, como caminhar sobre palafitas, ainda são vistas em espectáculos de circo no século XXI. O entretenimento pode mudar em resposta a turnos culturais ou históricos. Por exemplo, o entretenimento evoluiu para diferentes formas e expressões como resultado da Primeira Guerra Mundial [15] [16] [17] [18], a Grande Depressão e a revolução russa. [19] Durante a Revolução Cultural da China, a ópera revolucionária foi sancionada pelo Partido Comunista. Music Hall é um tipo de entretenimento teatral britânico que foi popular entre 1850 e 1960. Ele envolveu uma mistura de canções populares, comédia, atos especiais e entretenimento variado. O termo é derivado de um tipo de teatro ou local em que esse entretenimento ocorreu. O salão de música britânico era semelhante ao vaudeville americano, com emocionantes músicas e atos cômicos, enquanto no Reino Unido o termo vaudeville referia-se a mais tipos de entretenimento da classe trabalhadora que teriam sido chamados de burlesco na América.

O inglês moderno é considerado como tendo começado em uma data convencional de cerca de 1550, principalmente no final da Mudança da Grande Vocal (por exemplo, bot, calçado, mais como no barco para inicializar) [precisão necessária]. Foi criado pela infusão do francês antigo no inglês antigo após a conquista normanda de 1066 dC e do latim à instigação da administração clerical. Enquanto os estudantes modernos de língua inglesa podem ser capazes de ler autores de inglês médio como Chaucer no ensino médio com escolaridade, o inglês antigo é muito mais difícil. O inglês médio é conhecido por suas ortografias e pronúncias alternativas. As ilhas britânicas, embora geograficamente limitadas, sempre apoiaram populações de dialetos amplamente variantes (assim como algumas línguas diferentes). Sendo a língua de um poder marítimo, o inglês era necessariamente formado por elementos de muitas línguas diferentes.

A padronização tem sido um problema permanente. Mesmo na era das comunicações modernas e meios de comunicação de massa, de acordo com um estudo, [23] ", embora a Pronúncia Receita de Inglês Padrão tenha sido ouvida constantemente em rádio e depois de televisão por mais de 60 anos, apenas 3 a 5% da população Da Grã-Bretanha realmente fala RP. Novas marcas de inglês vêm surgindo mesmo nos últimos tempos .... "O que o vernáculo seria neste caso é um ponto discutido:" a padronização do inglês está em progresso há muitos séculos. " O inglês moderno surgiu como o inglês médio padrão , o dialecto preferido do rei, seu tribunal e administração. Esse dialeto era East Midland, que se espalhara para Londres, onde o rei residia e do qual ele governava. Ele continha formas dinamarquesas que não costumavam ser usadas no norte ou no sul, já que os dinamarqueses se haviam estabelecido fortemente na região intermediária. Chaucer escreveu em um East Midland no início, Wycliffe traduziu o Novo Testamento e William Caxton, a primeira impressora inglesa, escreveu nele. O primeiro livro impresso na Inglaterra foi Chaucer's Canterbury Tales, publicado por Caxton em 1476. Caxton é considerado o primeiro autor de inglês moderno. [24] As primeiras gramáticas inglesas foram escritas em latim, com algumas em francês. [25] Depois de um fundamento geral para a educação materna na Inglaterra: a primeira parte do elementar, publicada em 1582 por Richard Mulcaster, [26] William Bullokar escreveu a primeira gramática inglesa a ser escrita em inglês: Brochura para a gramática, seguida de Bref Gramática, ambas em 1586. Anteriormente, ele havia escrito Booke at Large para a Emenda de Ortografia para Discurso de Inglês (1580), mas sua ortografia não era geralmente aceita e logo foi suplantada, e sua gramática compartilhou um destino semelhante. Outras gramáticas em inglês seguiram rapidamente: Grammatica Anglicana de Paul Greaves, 1594; Alexander Hume's Orthographie and Congruitie of Britain Ling, 1617, e muitos outros. [27] Durante as décadas seguintes, muitas figuras literárias se dedicaram à gramática em inglês: Alexander Gill, Ben Jonson, Joshua Poole, John Wallis, Jeremiah Wharton, James Howell, Thomas Lye, Christopher Cooper, William Lily, John Colet e assim por diante, todos os líderes Para o enorme dicionário de Samuel Johnson.

O inglês é uma língua germânica ocidental que se originou dos dialetos anglo-frísios trazidos para a Grã-Bretanha por invasores germânicos e / ou colonos de várias partes do que é agora o noroeste da Alemanha e os Países Baixos. Inicialmente, o inglês antigo era um grupo diversificado de dialetos, refletindo as origens variadas dos reinos anglo-saxões da Grã-Bretanha. Um desses dialetos, Late West Saxon, acabou se tornando predominante. A língua inglesa sofreu grandes mudanças na Idade Média. O inglês antigo escrito do AD 1000 é semelhante em vocabulário e gramática a outras línguas germânicas antigas, como Old High German e Old Norse, e completamente ininteligível para falantes modernos, enquanto a linguagem moderna já é amplamente reconhecida no inglês médio escrito de 1400 dC. A transformação foi causada por duas outras ondas de invasão: o primeiro por falantes do ramo escandinavo da família de língua germânica, que conquistou e colonizou partes da Grã-Bretanha nos séculos 8 e 9; O segundo pelos normandos no século 11, que falou o Norman Velho e, em última análise, desenvolveu uma variedade inglesa chamada Anglo-Norman. Uma grande proporção do vocabulário inglês moderno vem diretamente de Anglo-Norman.

 

A respiração de fogo é o ato de criar uma bola de fogo ao respirar uma fina névoa de combustível por uma chama aberta. A técnica adequada e o combustível correto criam a ilusão de perigo para melhorar a novidade da respiração contra fogo, reduzindo o risco para a saúde e a segurança. Ao usar o combustível correto, ele só irá acender quando pulverizado em uma névoa fina aumentando a área de superfície do combustível para que a relação combustível / oxigênio / calor seja equilibrada o suficiente para causar combustão. Segurança A realização com fogo tem muitos riscos inerentes. Ter um assistente de segurança treinado ativamente com um cobertor de fogo apropriado e extintor de incêndio é uma boa prática apropriada quando respirar fogo e é uma cláusula obrigatória na maioria das políticas de seguro para respiradores de fogo profissionais. [1] [2] [Editar] Treinamento.

A grande maioria dos profissionais de combate a incêndios são aprendidas por um profissional experiente e é altamente recomendável que o ensino de si mesmo seja evitado devido a riscos extremos. A maioria das pessoas que são ensinadas a respirar com fogo e as habilidades de alimentação são artistas experientes por direito próprio e são ensinados sob a condição de que as habilidades não sejam transmitidas até que se tornem um artista de fogo reconhecido por direito próprio. Praticamente todos os incidentes registrados de lesões graves por respiração por incêndio envolvem indivíduos não treinados, muitas vezes sob a influência do álcool. Usar um combustível incorreto geralmente é um forte fator contribuinte. [Editar] Ponto de inflamação Para aumentar a segurança, os respiradores de fogo devem evitar combustíveis altamente combustíveis, como álcool, combustíveis espirituosos e a maioria dos produtos petroquímicos, em vez disso, usando combustíveis mais seguros com um ponto de inflamação mais alto (> 50 ° C). Devido ao seu ponto de inflamação relativamente seguro (~ 90 C), parafina ou óleo de lâmpada altamente purificado, é o combustível preferido para a respiração por incêndio. Embora o amido de milho tenha sido citado como um combustível não tóxico, os perigos da inalação aumentam

E risco potencial de infecções pulmonares. [Editar] Vento Determinar a direção do vento é extremamente importante quando a respiração do fogo. Para determinar a direção do vento, um respiro de fogo verá a chama em sua tocha e apenas respirará no lado esquerdo. Respirar fogo em vento alto, ou vento imprevisível, não é recomendado. Muitos respiradores / comedores de fogo profissionais só serão realizados em ambientes fechados (com seguro adequado e cheques de segurança), pois isso remove o vento como fator. Auto-ignição Com a respiração contra incêndio, o maior risco de auto-ignição (iluminando a roupa ou o traje) vem do uso de combustíveis com ponto de inflamação inferior (como gás branco) na tocha de fogo, saiba mais. A roupa 100% algodão não tratada é adequada para a maioria dos artistas experientes em fogo. A roupa de poliéster não é recomendada, pois pode facilmente derreter, escorrer e ficar na pele quando inflamada. O algodão tratado com resistência à chama (ou seja, a fibra INDURA de Westex) ou a fibra de tipo aramida sintética (ou seja, as camisas e calças de manga longa NOMEX da DuPont) são recomendados para os executantes de fogo (em geral) que utilizam combustíveis mais combustíveis em suas tochas. Materiais não inflamáveis, como metal e couro, geralmente são recomendados como escolhas de fantasia, mas como muitas técnicas de "queima de corpo" requerem uma pele nua, muitas vezes é dito que menos roupas são usadas. [Por quem?] Muitos artistas executam Topless e não é desconhecido para os artistas executarem quase ou completamente nu, geralmente artistas do sexo feminino. Isso geralmente não significa um ato abertamente sexual, mas sim aumenta a quantidade e variedade de diferentes técnicas que podem ser utilizadas; Sem roupas (ou cabelos) há um risco de lesões marcadamente reduzido, especialmente para artistas novatos. A pintura do corpo é freqüentemente usada com artistas de fogo nua em vez de uma fantasia, às vezes para dar a impressão de que o artista está vestindo um traje.

 

Circo contemporâneo (originalmente conhecido como nouveau cirque) é um movimento recente de artes cênicas que se originou na década de 1970 na Austrália, Canadá, França, Costa Oeste dos Estados Unidos e Reino Unido. O circo contemporâneo combina habilidades tradicionais de circo e técnicas teatrais para transmitir uma história ou tema. Em comparação com o circo tradicional, o gênero contemporâneo do circo tende a concentrar mais a atenção no impacto estético geral, no desenvolvimento de personagens e histórias e no uso de design de iluminação, música original e design de fantasia para transmitir conteúdo temático ou narrativo. Por razões estéticas ou econômicas, as produções de circo contemporâneas às vezes podem ser encenadas nos cinemas, em vez de nas grandes tendas ao ar livre. A música usada na produção é muitas vezes composta exclusivamente por essa produção, e as influências estéticas são desenhadas tanto da cultura contemporânea quanto da história do circo. Os atos de animais aparecem menos freqüentemente no circo contemporâneo do que no circo tradicional.

Os primeiros exemplos de novas empresas do circo incluem: Circus Oz, forjado na Austrália em 1978 de SoapBox Circus e New Circus, ambos fundados no início dos anos 1970; O Pickle Family Circus, fundado em San Francisco em 1975; Ra-Ra Zoo no Reino Unido em 1983, Nofit State Circus em 1984 do País de Gales; Cirque du Soleil, fundado em Quebec em 1984; E Archaos em 1986. Exemplos mais recentes incluem: Teatro ZinZanni, fundado em Seattle em 1998; Cirque Eloize de Quebec; Les 7 doigts de la main (também conhecido como The 7 Fingers); [23] e o West Africa Circus Baobab [24] no final da década de 1990. O gênero inclui outros circu troupes, como Circus Smirkus baseado em Vermont (fundado em 1987 por Rob Mermin), Le Cirque Imaginaire (mais tarde renomeado Le Cirque Invisible, ambos fundados e dirigidos por Victoria Chaplin, filha de Charlie Chaplin), o Tiger Lillies , Dislocate, [25] e Vulcana Women's Circus, [26] enquanto The Jim Rose Circus é uma tomada interessante no show secundário. A cirurgião sueca Cirkus Cirkor foi fundada em 1995. A empresa norte-americana PURE Cirkus [27] foi fundada no subgênero de "cirque noir" em 2004 e, no norte da Inglaterra (Reino Unido), Skewed Circus [28] combina punk, rap , Música de dança, comédia e acrobacias para oferecer entretenimento de "circo pop" a jovens públicos urbanos.

A história de sucesso mais conspícua no gênero contemporâneo foi a do Cirque du Soleil, a empresa canadense de circo, cuja receita anual estimada agora ultrapassa US $ 810 milhões [29] e cujos espectáculos do nouveau circo foram vistos por quase 90 milhões de espectadores em mais de 200 Cidades em cinco continentes. [30] Apesar da mudança do circo contemporâneo em direção a mais técnicas teatrais e sua ênfase no desempenho humano e não animal, as empresas de circo tradicionais ainda existem ao lado do novo movimento. Numerosos circos continuam a manter artistas de animais, incluindo Ringling Brothers e Barnum e Bailey Circus, Cirurgião UniverSoul e Big Apple Circus dos Estados Unidos, Circus Krone de Munique, Circus Royale e Lennon Bros Circus da Austrália, Vazquez Hermanos Circus, Circo Atayde Hermanos e Hermanos Mayaror Circus [31] do México, e Moira Orfei Circus [32] da Itália, para citar apenas alguns.

A atmosfera do circo tem servido de cenário dramático para muitos músicos. A famosa música tema do circo é chamada de "Entrada dos Gladiadores", e foi composta em 1904 por Julius Fucik. Outras músicas de circo incluem "El Caballero", "Qualidade Plus", "Sunnyland Waltzes", "The Storming of El Caney", "Pahjamah", "Bull Trombone", "Big Time Boogie", "Royal Bridesmaid March", "The Baby Elephant Walk "," Liberty Bell March "," Java ", Strauss" Radetsky March "e" Pageant of Progress ". Um cartaz para o Circus Royal de Pablo Fanque, um dos circos mais populares da Inglaterra vitoriana, inspirou John Lennon a escrever o Ser para o benefício do Sr.

Papagaio! No álbum dos Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. O título da música refere-se a William Kite, um artista de circo bem conhecido no século XIX. O produtor George Martin e os engenheiros da EMI criaram a atmosfera do recinto de festas da música, que simboliza a sensação de todo o álbum, montando uma colagem de som de gravações coletadas de calliopes e órgãos de feiras, que eles cortaram em tiras de vários comprimentos, lançaram um Caixa e, em seguida, misturado e editado juntos de forma aleatória, criando um loop longo que foi misturado na produção final. [48] Outra música de circo tradicional é a série John Phillip Sousa "Stars and Stripes Forever", que é tocada apenas para alertar os artistas de circo de uma emergência. Os jogos ambientados em um circo incluem o musical de 1896 The Circus Girl de Lionel Monckton, Polly of the Circus, escrito em 1907 por Margaret Mayo, The Who Gets Slapped escrito pelo russo Leonid Andreyev 1916 e mais tarde adaptado a um dos primeiros filmes de circo, Caravan escrito Em 1932 por Carl Zuckmayer, a revista Big Top escrita por Herbert Farjeon em 1942, Top of the Ladder, escrita por Tyrone Gutheris em 1950, Stop the World, I Want to Get Off, escrita por Anthony Newley em 1961, e Barnum com música de Cy Oleman, letras e livro de Mark Bramble. Após a Primeira Guerra Mundial, os filmes de circo tornaram-se populares; Em 1924, The Who Gets Slapped foi o primeiro filme lançado pela MGM; Em 1925 Sally of the Sawdust (remade 1930), Variety e Vaudeville foram produzidos, seguido de The Devil's Circus em 1926 e The Circus, estrelado por Charlie Chaplin, Circus Rookies, 4 Devils; E Laugh Clown Laugh em 1928. O filme alemão Salto Mortale sobre artistas de trapézio foi lançado em 1930 e refeito nos Estados Unidos e lançado como trapézio com Burt Lancaster em 1956; Em 1932, Freaks foi lançado; Charlie Chan no Circus, Circus (URSS) e The Three Maxiums foram lançados em 1936 e At the Circus, estrelado por Marx Brothers e You Can not Cheat an Honest Man em 1939. Os filmes de circo continuaram a ser populares durante a Segunda Guerra Mundial, The Great Profile, estrelado por John Barrymore, foi lançado em 1940, o filme animado Disney Dumbo, Road Show e The Wagons Roll at Night em 1941 e Captive Wild Woman em 1943 pasa saber mais clica aqui.

O filme Tromba, sobre um treinador de tigres, foi lançado em 1948 e em 1952 Cecil O filme vencedor do Oscar de B. de Mille, The Greatest Show on Earth, foi mostrado pela primeira vez. Lançado em 1953, Man on a Tightrope e Gycklarnas de Ingmar Bergman foram lançados como Sawdust e Tinsel nos Estados Unidos; A vida é um circo; Anel de Medo; 3 Ring Circus e La strada um filme vencedor do Oscar de Federico Fellini sobre uma garota vendida a um homem forte de circo; Fellini fez um segundo filme no circo chamado The Clowns em 1970. Filmes sobre o circo feito desde 1959 incluem o filme B Circus of Horrors, o musical Jumbo de Billy Rose, A Tiger, anda um filme da Disney sobre um tigre que foge do circo e Circus World estrelado por John Wayne. No filme Jungle Emperor Leo, o filho de Leo, Lune, é capturado e colocado em um circo, que queima quando um tigre derruba um anel de fogo enquanto pulava por ele.

 

Por ordem decrescente de antiguidade, os seguintes funcionários estão envolvidos: Diretor de Fotografia também chamado de operador de fotografia Operador de Câmera, também chamado de câmera de gamarógrafo Primeiro Assistente, também chamado de extraidor de foco. Segunda câmera Assistente também chamada carregadora de válvula. Na indústria cinematográfica, o diretor de fotografia é responsável pelos aspectos técnicos Das imagens (iluminação, escolhas de lentes, composição, exposição, filtração, seleção de filmes), mas trabalha em estreita colaboração com o diretor para garantir que a estética artística esteja apoiando a visão do diretor sobre a história contada. Os cinematógrafos são os cabeças da câmera, do grip e da equipe de iluminação em um set, e por isso são muitas vezes chamados de diretores de fotografia ou PDs.

Na tradição britânica, se o DOP realmente opera a câmera, eles são chamados de cinematógrafo. Em produções menores, é comum que uma pessoa execute todas essas funções sozinhas. A progressão na carreira geralmente envolve escalar a escada de segunda, primeiro, eventualmente, a operar a câmera. Os diretores de fotografia fazem muitas decisões criativas e interpretativas durante o seu trabalho, desde a pré-produção até a pós-produção, o que afeta a sensação geral e a aparência do filme. Muitas dessas decisões são semelhantes às que um fotógrafo precisa notar ao tirar fotos: o diretor de fotografia controla a própria escolha do filme (de uma variedade de estoques disponíveis com diferentes sensibilidades para luz e cor), a seleção das distâncias focais da lente, a exposição da abertura E foco. A cinematografia, no entanto, tem um aspecto temporal (veja a persistência da visão), ao contrário da fotografia estática, que é puramente uma imagem estática.

Também é mais volumoso e mais árduo para lidar e saber como revender produtos importados como, câmeras de filmes, que envolve uma variedade mais complexa de escolhas. Como tal, um diretor de fotografia geralmente precisa trabalhar cooperativamente com mais pessoas do que um fotógrafo, que freqüentemente pode funcionar como uma pessoa solteira.

Um resultado, o trabalho do diretor de fotografia também inclui gerenciamento de pessoal e organização logística. A persistência da visão é o fenômeno do olho pelo qual uma imagem tardia é pensada para persistir por aproximadamente um vigésimo quinto de segundo na retina. O mito da persistência da visão é a crença de que a percepção humana do movimento (centrada no cérebro) é o resultado da persistência da visão (centrada nos olhos). O mito foi desmentido em 1912 por Wertheimer [1], mas persiste em muitas citações em muitos textos clássicos e modernos da teoria do cinema. [2] [3] [4] Uma teoria mais plausível para explicar a percepção do movimento (pelo menos em um nível descritivo) são duas ilusões perceptuais distintas: fenômeno phi e movimento beta. Uma forma visual de memória conhecida como memória icônica foi descrita como a causa desse fenômeno. [5] Embora os psicólogos e os fisiologistas tenham rejeitado a relevância desta teoria para o cinema, os acadêmicos do cinema e os teóricos geralmente não o fizeram.

Alguns cientistas hoje consideram a teoria inteira um mito. [6] Em contraste, a persistência da teoria da visão com os fenômenos phi, uma parte crítica do entendimento que emerge com esses fenômenos de percepção visual é que o olho não é uma câmera. Em outras palavras, a visão não é tão simples quanto a luz registrando-se em um meio, uma vez que o cérebro deve ter sentido dos dados visuais que o olho fornece e construir uma imagem coerente da realidade. Joseph Anderson e Barbara Fisher argumentam que o fenômeno phi privilegia uma abordagem mais construtiva do cinema (David Bordwell, Noel Carroll, Kirsten Thompson), enquanto a persistência da visão privilegia uma abordagem realista (Andre Bazin, Christian Metz, Jean-Louis Baudry) . [6] A descoberta da persistência da visão é atribuída ao poeta romano Lucrecio, embora ele apenas a mencione em relação às imagens vistas em um sonho. [7] Na era moderna, alguns experimentos estroboscópicos realizados por Peter Mark Roget em 1824 também foram citados como base para a teoria. [8]

As primeiras câmeras de filme foram fixadas diretamente na cabeça de um tripé ou outro suporte, com apenas o tipo mais alto de dispositivos de nivelamento fornecidos, à maneira das cabeças do tripé da câmera imóvel do período. As primeiras câmeras de filme foram efetivamente corrigidas durante o tiro e, portanto, os primeiros movimentos da câmera foram o resultado da montagem de uma câmera em um veículo em movimento.

O primeiro conhecido disso foi um filme filmado por um operador de câmara Lumiere da plataforma traseira de um trem que saiu de Jerusalém em 1896, e em 1898 houve uma série de filmes tirados dos trens móveis. Embora listados sob o título geral de "panoramas" nos catálogos de vendas do tempo, esses filmes atirados diretamente em frente a um motor ferroviário geralmente eram especificamente referidos como "passeios fantasmas". Em 1897, Robert W. Paul teve a primeira cabeça de câmera giratória real feita para colocar um tripé, para que ele pudesse seguir as procissões passantes do Jubileu de Diamante da Rainha Victoria em um tiro ininterrupto. Este dispositivo tinha a câmera montada em um eixo vertical que poderia ser girada por uma engrenagem de sem-fim conduzida girando uma alça de manivela, e Paul colocou em venda geral no próximo ano.

Os tiros feitos com tal cabeça de "panning" também foram referidos como "panoramas" nos catálogos de filmes da primeira década do cinema. O padrão padrão para os primeiros estúdios de cinema foi fornecido pelo estúdio que Georges Melies havia construído em 1897. Este tinha um telhado de vidro e três paredes de vidro construídas após o modelo de grandes estúdios para fotografia estática, e estava equipada com roupas de algodão finas que podiam Esticar abaixo

O telhado para difundir o raio direto do sol em dias ensolarados. A luz geral suave sem sombras reais que este arranjo produziu, e que também existe naturalmente em dias levemente cobertos, foi para se tornar a base para a iluminação cinematográfica em estúdios de cinema para a próxima década. Efeitos Únicos entre todos os filmes de um minuto feitos pela empresa Edison, que gravou partes dos atos de artistas de variedades para suas máquinas de visualização do Kinetoscope, foi The Execution of Mary, Queen of Scots. Isso mostrou uma pessoa vestida como a rainha colocando a cabeça no bloco de execução na frente de um pequeno grupo de espectadores no vestido isabelino. O carrasco derruba seu machado e a cabeça cortada da rainha cai no chão. Este truque foi trabalhado parando a câmera e substituindo o ator por um manequim e reiniciando a câmera antes que o machado caia. Os dois pedaços de filme foram então aparados e cimentados, de modo que a ação apareceu contínua quando o filme foi mostrado. Este filme foi entre aqueles exportados para a Europa com as primeiras máquinas do Kinetoscópio em 1895, e foi visto por Georges Melies, que estava fazendo shows mágicos em seu Teatro Robert-Houdin em Paris na época. Ele criou cinema em 1896, e depois de fazer imitações de outros filmes de Edison, Lumière e Robert Paul, ele fez Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin (The Vanishing Lady). Este filme mostra uma mulher que está sendo feita para desaparecer usando a mesma técnica de parada de movimento que o filme anterior de Edison. Depois disso, Georges Melies fez muitos filmes de tiro único usando este truque nos próximos dois anos. acesse o link e saiba mais sobre as coleção de objetos antigos. http://yummersforrunners.blogspot.com/

 

ASPECTOS

Sensor de imagem e estoque de filme A cinematografia pode começar com rolos de filme ou um sensor de imagem digital. Avanços em emulsão de filme e estrutura de grãos proporcionaram uma ampla gama de estoques de filmes disponíveis. A seleção de um estoque de filme foi uma das primeiras decisões tomadas na preparação de uma típica produção cinematográfica do século XX.

Além da seleção do calibre de filme 8 mm (amador), 16 mm (semi-profissional), 35 mm (profissional) e 65 mm (fotografia épica, raramente usada, exceto em locais especiais) o diretor de fotografia possui uma seleção de ações em Inversão (que, quando desenvolvida, crie uma imagem positiva) e formatos negativos, juntamente com uma ampla gama de velocidades de filme (sensibilidade variável à luz) de ISO 50 (lento, menos sensível à luz) para 800 (muito rápido, extremamente sensível à luz ) E uma resposta diferente à cor (baixa saturação, saturação elevada) e contraste (níveis variáveis ​​entre preto puro (sem exposição) e branco puro (superexposição completa). Avanços e ajustes em quase todos os medidores de filme criaram os formatos "super" em que o A área do filme usado para capturar uma única imagem de uma imagem é expandida, embora o indicador físico do filme permaneça o mesmo. Super 8 mm, Super 16 mm e Super 35 mm utilizam mais da área de filme geral para a imagem do que O seu "regular" non-super cou Nterparts. Quanto maior o calibre do filme, maior a clareza geral da resolução da imagem e qualidade técnica. As técnicas utilizadas pelo laboratório de filmes para processar o estoque do filme também podem oferecer uma variância considerável na imagem produzida. Ao controlar a temperatura e variar a duração em que o filme é embebido nos produtos químicos de desenvolvimento e ignorando certos processos químicos (ou ignorando parcialmente todos eles), os cineastas podem alcançar aparências muito diferentes de um único estoque de filme no laboratório. Algumas técnicas que podem ser utilizadas são o processamento push, o desvio de branqueamento e o processamento cruzado. Embora a maioria dos filmes que ainda usa o filme, muito do cinema moderno usa a cinematografia digital e não tem estoque de filmes [citação necessário], mas as próprias câmeras podem ser ajustadas de maneiras que ultrapassam as habilidades de um filme particular.

Eles podem fornecer diferentes graus de sensibilidade a cores, contraste de imagem, sensibilidade à luz e assim por diante. Uma câmera pode atingir todos os vários olhares de diferentes emulsões, embora seja fortemente discutido sobre qual método de captura de uma imagem é o "melhor" método. Os ajustes de imagem digital (ISO, contraste, etc.) são executados estimando os mesmos ajustes que ocorreriam se o filme fosse efetivo e, portanto, são vulneráveis ​​às percepções dos designers de sensores de câmeras de vários estoques de filme e parâmetros de ajuste de imagem. [Editar] Filtros Os filtros, como filtros de difusão ou filtros de efeito de cor, também são amplamente utilizados para melhorar o humor ou efeitos dramáticos. A maioria dos filtros fotográficos são constituídos por dois pedaços de vidro óptico colados com alguma forma de imagem ou material de manipulação de luz entre o vidro. No caso dos filtros de cores, muitas vezes um meio de cor translúcido é pressionado entre dois planos de vidro óptico. Os filtros de cor funcionam bloqueando certos comprimentos de onda de cores que atingem o filme. Com filme a cores, isso funciona de forma muito intuitiva, em que um filtro azul reduzirá a passagem de luz vermelha, laranja e amarela e criará uma matiz azul no filme. Na fotografia em preto e branco, os filtros de cor são usados ​​um pouco contra intuitivamente; Por exemplo, um filtro amarelo, que corta os comprimentos de luz azuis, pode ser usado para escurecer um céu de luz do dia (eliminando a luz azul de bater no filme, subindo profundamente o céu principalmente azul), enquanto não está inclinando a maioria dos tons de carne humana. Certos cinematógrafos, como Christopher Doyle, são bem conhecidos pelo uso inovador de filtros. Os filtros podem ser usados ​​na frente da lente ou, em alguns casos, atrás da lente para diferentes efeitos.